Dark Matter (2024)

Pearl Jam · 2024 · 11 faixas

Faixas

Análise do disco

Introdução e Contextualização Histórica

O lançamento do décimo segundo álbum de estúdio da banda de rock americana Pearl Jam, intitulado Dark Matter (lançado mundialmente em 19 de abril de 2024 através da Monkeywrench Records e Republic Records), representa um monumental marco de consolidação estética, reflexão existencial e vigor instrumental para um dos grupos mais duradouros e culturalmente significativos do cenário musical global. Produzido por Andrew Watt, um aclamado produtor de trinta e três anos vencedor de múltiplos prêmios Grammy (cuja biografia curiosamente registra seu nascimento na exata mesma semana de outubro de 1990 em que Eddie Vedder viajou de San Diego para Seattle para encontrar seus futuros companheiros de banda pela primeira vez), o álbum atua como uma intrincada ponte geracional que encapsula mais de três décadas de história musical.

Enquanto o trabalho de estúdio anterior, Gigaton (2020), caracterizou-se por um processo de gravação prolongado, fragmentado ao longo de vários anos e descrito pelo guitarrista Stone Gossard como uma "experiência glacial" construída a partir de demos individuais, Dark Matter surge como a exata antítese metodológica desse processo. O novo registro é o resultado direto de uma imersão rápida, colaborativa, visceral e gravada predominantemente com todos os membros tocando simultaneamente na mesma sala, capturando a energia indomável e o ímpeto característicos das lendárias apresentações ao vivo do quinteto.

A gênese criativa deste trabalho massivo ocorreu inicialmente em sessões exploratórias no estúdio localizado no porão da residência de Watt em Beverly Hills, em julho de 2021. Nessas primeiras reuniões, desprovidas de composições previamente finalizadas, a fundação criativa das faixas foi estabelecida em poucas horas. Posteriormente, a banda transladou-se para finalizar a obra no reverenciado e icônico estúdio Shangri-La, em Malibu, Califórnia, durante o mês de março de 2023. O Shangri-La não é meramente um espaço físico, mas um ambiente que carrega um peso literário e histórico imenso para a mitologia do rock; originalmente construído pela lendária The Band na década de 1970 e documentado de forma magistral pelo diretor Martin Scorsese no aclamado filme-concerto The Last Waltz (1978), o estúdio serviu de catalisador espiritual supremo para Eddie Vedder. O vocalista, profundamente influenciado pela aura do local, escreveu aproximadamente 90% das letras do álbum neste exato espaço sagrado, o mesmo ambiente onde Bob Dylan moldou algumas de suas canções mais reverenciadas nos anos 70. Essa urgência criativa espelha e ressuscita a ética de trabalho indomável que caracterizou os primeiros e mais icônicos discos da banda, como Ten (1991) e Vs. (1993).

A maturidade literária de Eddie Vedder neste projeto atinge um ápice de sofisticação palpável e inegável. Prestes a completar sessenta anos durante a concepção e lançamento da obra, suas construções líricas abandonam conscientemente a fúria juvenil em favor de uma contemplação vasta e multifacetada sobre a mortalidade, os rigores e alegrias da paternidade, o desolador estado sociopolítico do mundo contemporâneo e, de forma mais fundamental, a mecânica da sobrevivência. A presença de temas esparsos relacionados ao luto profundo por contemporâneos e pilares da cena de Seattle perdidos prematuramente, especificamente figuras reverenciadas como Chris Cornell (Soundgarden), Layne Staley (Alice in Chains) e Mark Lanegan (Screaming Trees), permeia a narrativa de forma subtextual, transformando o álbum em um denso e pungente tratado sobre a resiliência humana.

Ficha Técnica

| Parâmetro | Detalhes | |---|---| | Produção | Andrew Watt | | Mixagem | Serban Ghenea (vencedor de 20 Grammys) | | Masterização | Matt Colton | | Estúdios | Shangri-La (Malibu, CA), GT Studios (Seattle, WA), Henson Studios (LA, CA), Jump Site Studios (Seattle, WA) | | Gravação | Paul LaMalfa, Marco Sonzini | | Engenharia | Bryce Bordone | | Equipe de estúdio | Mark Van Ghoul (guitarras), Neil Hundt (bateria) | | Músicos adicionais | Josh Klinghoffer (piano, teclados, guitarra); Andrew Watt (guitarra, teclados, piano, vocais); Mark 'Smitty' Smith (vocais em "Running") | | Inscrições no vinil (runout) | "Thank U Rick 4 Shangri-La", "Thank you Stevie for Running Late", "RIP Robbie" | | Dedicatória | "PO" (interpretado como referência ao Presence Object da capa de Presence do Led Zeppelin) |

A Filosofia de Produção e a Conexão Intergeracional

O método operatório empregado para capturar a sonoridade de Dark Matter exige uma análise sociológica do próprio ambiente de estúdio. O produtor Andrew Watt assumiu não apenas o papel de engenheiro e arranjador (co-assinando a composição de todas as faixas junto à banda, algo sem precedentes na estrutura tradicional do grupo desde o álbum Vs.), mas operou também como um torcedor fervoroso e um arqueólogo sônico. Relatos documentados de diversas entrevistas apontam que Watt, possuindo um vasto acervo pessoal, utilizou uma camiseta de turnê vintage diferente do Pearl Jam em cada um dos dias de gravação. Esta decisão de vestuário não foi um mero capricho estético, mas uma estratégia psicológica calculada para instilar um senso de urgência, lembrando continuamente aos músicos veteranos o poder titânico do legado que construíram ao longo das décadas.

Eddie Vedder, conhecido historicamente por sua reticência crônica em relação à imprensa e ao marketing musical excessivo que dominava a era grunge (uma resistência que o levou a evitar videoclipes e extensivas turnês promocionais nos anos 90, muitas vezes aconselhado pelo mentor Neil Young), demonstrou um engajamento surpreendente na promoção analítica de Dark Matter. Em uma célebre audição íntima para convidados realizada no icônico clube Troubadour, em Los Angeles, Vedder assumiu o papel de anfitrião servindo doses de tequila aos presentes e emitiu uma declaração que ecoaria por toda a crítica especializada: "No hyperbole, I think this is our best work" (Sem hipérboles, acho que este é o nosso melhor trabalho). Esta ousada afirmação de supremacia artística, vinda de um autor que assinou clássicos atemporais como Ten, Vs. e Vitalogy, redefiniu as expectativas do mercado em torno da vitalidade criativa do grupo em sua quarta década de existência.

A densidade filosófica que pavimenta o álbum foi amplamente decodificada em longas e detalhadas entrevistas concedidas durante o ciclo de lançamento. Em um diálogo expansivo e histórico com Howard Stern na SiriusXM, bem como em uma longa conversa com Zane Lowe para a Apple Music, Vedder dissecou as forças gravitacionais que mantêm a banda unida. Ele refletiu com profunda melancolia sobre as amizades fraturadas e ceifadas pela epidemia de heroína e pelas pressões da fama na cena de Seattle. Mencionando explicitamente a perda de Chris Cornell, Layne Staley e Mark Lanegan, Vedder argumentou que a ausência desses gigantes serve como um lembrete implacável da fragilidade humana. A constatação do luto o forçou a uma conclusão estoica sobre a própria existência: a imperativa necessidade de se manter rigorosamente saudável, não apenas para honrar os que partiram, mas para estar presente ativamente no desenvolvimento de seus filhos e para manter a capacidade física de gravar os "um ou dois" discos brilhantes que ele acredita que a banda ainda tem a capacidade de produzir antes do inevitável crepúsculo de sua carreira.

Adicionalmente, Vedder ilustrou o imenso poder conectivo da música através de uma observação sociológica fascinante descrita na revista MOJO. Após acompanhar uma de suas filhas a um concerto monumental da estrela pop Taylor Swift, o veterano do grunge ficou profundamente impactado ao observar a dinâmica ritualística dos fãs adolescentes trocando pulseiras da amizade adornadas com mensagens de apoio e letras de canções. Para Vedder, essa manifestação de fervor tribal não soou como um fenômeno alienígena, mas reverberou diretamente com a pureza e a intensidade da energia que ele mesmo testemunhava nas plateias anárquicas e marginalizadas dos concertos de punk rock de sua juventude. O conceito de encontrar a sua "tribo" através das frequências de uma canção tornou-se um dos alicerces poéticos fundamentais para a criação de várias narrativas presentes em Dark Matter.

Análise Faixa a Faixa

1. Scared of Fear

A faixa inaugural do disco inicia-se através de uma ambiência instrumental etérea que subitamente culmina no estalo agudo de um chicote, uma assinatura sônica intencional que acena imediatamente para a agressividade crua da banda em seu apogeu criativo na década de 1990. Estruturada em torno de um propulsivo riff de acordes robustos idealizado pelo guitarrista Stone Gossard logo no alvorecer do primeiro dia de ensaios no estúdio de Watt em abril de 2021, a música é ritmicamente e inexoravelmente ancorada pelas batidas vigorosas de Matt Cameron, ressoando semelhanças estruturais com a agressividade outrora encontrada em "Life Wasted" (faixa de abertura do álbum Pearl Jam de 2006).

Do ponto de vista literário e semântico, "Scared of Fear" funciona como uma elegia assombrada à defunta cena musical original de Seattle. Através da insistente repetição de memórias espectrais, os versos proferidos por Vedder soam como litanias do passado: "We used to laugh / We used to sing / We used to dance / We had our own scene" (Nós costumávamos rir / Nós costumávamos cantar / Nós costumávamos dançar / Nós tínhamos nossa própria cena). Esta narrativa atua como uma retrospectiva lancinante de um microcosmo cultural que foi marcado de maneira indelével tanto pela revolução sônica quanto por incessantes tragédias pessoais. O questionamento central da composição surge como um desafio à identidade sobrevivente: "Is this what we've become? / One last setting sun / I'll give, but I can't give up / I'll live, not long enough" (É isso que nos tornamos? / Um último sol poente / Eu darei, mas não posso desistir / Eu viverei, não por tempo suficiente). Tais frases estabelecem imediatamente a vasta temática de finitude, efemeridade e sobrevivência resiliente, servindo como uma reflexão contundente sobre o fardo existencial de pertencer a uma das raras bandas globais remanescentes e ativas de sua respectiva era dourada.

2. React, Respond

Escrita majoritariamente pelo baixista Jeff Ament, "React, Respond" altera bruscamente o clima do álbum, injetando uma feroz cadência que amalgama elementos clássicos do punk rock e do movimento new wave, tudo isso sob a liderança tonitruante e proeminente de suas frequências graves intensamente distorcidas. Há uma explícita e documentada conexão reverencial com o ethos do hardcore punk nesta gravação: a introdução rítmica da faixa foi moldada de forma a servir como um tributo deliberado (seja de forma consciente ou instintiva durante as sessões de gravação) ao explosivo clássico "Attitude", da lendária banda seminal de punk horror Misfits.

O núcleo lírico e o próprio título da canção baseiam-se numa diretriz psicológica firmemente enraizada no estoicismo clássico e em modernas filosofias terapêuticas de controle emocional. Durante uma audição premonitória realizada em Londres, Eddie Vedder desvendou o significado fundacional da faixa com um axioma cristalino: "If you get something you don't want. Don't react, respond" (Se você recebe algo que não quer. Não reaja, responda). Consequentemente, a letra transmuta-se em um poderoso manifesto cognitivo que pleiteia o autocontrole analítico em detrimento do instinto reativo primata diante do caos social e emocional que caracteriza a vida moderna. O lirismo professa que a generosidade e a clareza intelectual são os mais efetivos antídotos contra a crescente onda de cinismo sistêmico: "It's better to give / Give than deceive / Questions dissolve / The more you believe" (É melhor dar / Dar do que enganar / Questões se dissolvem / Quanto mais você acredita). É notável como a abrasividade sônica da faixa abriga, de forma irônica e magistral, uma narrativa cujo objetivo máximo é a absoluta pacificação mental do indivíduo.

3. Wreckage

Desacelerando a adrenalina inicial do álbum, "Wreckage" assume uma majestosa e espaçosa postura musical de andamento médio (mid-tempo), apoiada primariamente no dedilhado reflexivo do violão acústico. Críticos notaram uma imensa dívida estilística para com a tradição lírica e sônica do heartland rock americano, destacando uma progressão harmônica intencionalmente análoga e abertamente comparada pela crítica e pelo público à imortal canção "Learning to Fly", de Tom Petty and the Heartbreakers. O produtor Andrew Watt assumiu um papel instrumental central nesta composição, gravando as camadas acústicas com uma guitarra Fender Telecaster utilizando uma afinação não ortodoxa em Sol aberto (Open G), uma técnica específica sobre a qual Watt confidenciou ter recebido conselhos de mentoria diretamente de Keith Richards, o inigualável arquiteto sônico dos Rolling Stones. Ademais, Watt encorajou expressamente o guitarrista Stone Gossard a afastar-se de seus solos tipicamente abrasivos para esculpir melodias atmosféricas e melancólicas profundamente reminiscentes da sonoridade pós-punk da banda inglesa The Cure.

No campo da interpretação lírica, a banda moveu-se velozmente para dissipar especulações de analistas políticos; Vedder esclareceu que a composição não se trata de um ataque subliminar a figuras governamentais como Donald Trump, mas reside inteiramente na topografia íntima do rompimento de um relacionamento incrivelmente difícil e no angustiante processo de acerto de contas com as ruínas emocionais deixadas para trás. O eu-lírico rumina sobre as inevitabilidades sombrias da passagem do tempo e da desconexão romântica com um formidável estoicismo: "If you're feeling the leaving, I can't make you stay / I've only ever wanted for it not to be this way / But you're now like the water / And the water will find its way" (Se você está sentindo a partida, não posso fazer você ficar / Eu só sempre quis que não fosse desse jeito / Mas agora você é como a água / E a água encontrará seu caminho). O emprego da metáfora aquosa, simbolizando algo que não pode ser fisicamente contido por mãos humanas e que inevitavelmente seguirá as leis implacáveis de sua própria gravidade e fluidez natural, solidifica "Wreckage" como uma das composições mais maduras, sublimes e contidas da discografia recente da banda.

4. Dark Matter

A faixa que empresta o seu majestoso título à totalidade do álbum é uma demonstração crua de força percussiva, impulsionada de forma tribal por um padrão rítmico marcial executado por Matt Cameron, acompanhado de um dos riffs de guitarra distorcida mais abrasivos já concebidos pelo grupo no século XXI. Distanciando-se do lirismo interpessoal, "Dark Matter" debruça-se sobre a cegueira ideológica coletiva, a asfixia da desinformação institucionalizada e as severas repercussões das decisões tomadas por figuras autocráticas e não responsabilizadas publicamente.

Um dos trechos líricos que provocou as mais fervorosas dissecações teóricas entre os fãs, estudiosos da banda e plataformas agregadoras de letras foca-se na passagem ríspida do pré-refrão: "Denounce the demigods / King diamond to discard" (Denuncie os semideuses / Rei de ouros a descartar) bem como em sua variação "Renounce the demagogues / King diamond to discard" (Renuncie aos demagogos / Rei de ouros a descartar). Hermeneuticamente, a menção a "King diamond" funciona de maneira soberba através de um inteligente duplo sentido. A primeira leitura interpreta a frase dentro de um contexto literal focado no jogo de baralho, onde o Rei de Ouros representa fútil materialismo, cupidez e lideranças tóxicas focadas estritamente no poder e na riqueza material, passíveis e merecedoras de descarte no jogo político. A segunda interpretação atua de forma surpreendente no domínio referencial da cultura do rock underground: questionado a respeito desta linha específica por um veículo jornalístico, Stone Gossard não pôde certificar a intenção exata de Vedder, porém regozijou-se enormemente com a teoria de que fosse uma homenagem explícita ao sombrio e teatral vocalista de heavy metal e shock rock King Diamond, cujo icônico trabalho de falsetes na influente banda dinamarquesa Mercyful Fate fora mencionado frequentemente pelo guitarrista do Pearl Jam como uma de suas obsessões formativas durante a adolescência musical.

No núcleo central da canção, o refrão expõe sem piedade o cansaço perante as estruturas burocráticas e corruptas com uma clareza cortante e inabalável: "It's strange these days / When everybody else pays / For someone else's mistake / This blame takes shape" (São dias estranhos / Quando todos os outros pagam / Pelo erro de outra pessoa / Essa culpa toma forma). A produção excepcionalmente polida e ultra-moderna de Andrew Watt, descrita pelos analistas como incrivelmente densa, paradoxalmente serve para maximizar e amplificar o poderio vocal da indignação de Vedder, em contraposição a qualquer tentativa de pasteurizar a faixa. A indignação exala pelas estrofes num canto ríspido e acusatório de "No tolerance for intolerance so I've / No patience left for impatience no more" (Nenhuma tolerância para a intolerância, então eu não / Não tenho mais paciência para a impaciência), atacando a inação social.

5. Won't Tell

Uniformemente descrita pelos analistas do álbum como uma das incursões sonoras mais pop e acessíveis da coletânea, "Won't Tell" é uma engenhosa obra cujo código genético musical e lírico originou-se quase na sua totalidade a partir das visões e experimentos melódicos de Jeff Ament. Ament revelou em crônicas que o núcleo emotivo da composição nasceu durante a manifestação abstrata de um sonho profundamente vívido envolvendo colaborações oníricas com duas divindades fundamentais da música folk-rock e canadense: Neil Young e Joni Mitchell. Essa origem subconsciente impregnou a faixa com uma densa atmosfera simultaneamente nostálgica e ligeiramente surreal.

Instrumentalmente, "Won't Tell" ancora sua estrutura no timbre solene de uma guitarra modelo barítono, com Stone Gossard confessando a profunda e pesada inspiração da textura etérea e dos reverbs característicos forjados pelo U2 no começo dos anos 2000, bem como pela inquestionável influência gótica melódica da banda The Cure (citada repetidas vezes ao longo do processo de produção de Dark Matter). Críticos especialistas chegaram a estabelecer vigorosos paralelos comparativos entre essa sonoridade delicada e a ambiência estrutural experimentada de forma notável no álbum Pearl Jam de 2006 (popularmente apelidado pelos aficcionados de "Avocado"). A poesia da faixa é intricadamente arquitetada, demonstrando um grau assombroso de sensibilidade literária, expressa nas imagens visuais delicadas da estrofe: "As she smiled and played a minor chord / In a key I never heard before / One song and it was done" (Enquanto ela sorria e tocava um acorde menor / Em um tom que eu nunca tinha ouvido antes / Uma música e estava acabado). No cerne de sua temática lírica, a composição devota-se intrinsecamente à complexa psicologia de abrigar segredos emocionais indecifráveis, servindo assim como um compassivo e evocativo oásis introspectivo situado com precisão no núcleo físico da execução do disco.

6. Upper Hand

Configurando-se, com sua impressionante duração de praticamente seis minutos ininterruptos, como a grande epopeia progressiva e indiscutível epicentro de peso dramático de Dark Matter, "Upper Hand" inicia-se de modo sub-reptício. A introdução meticulosamente forjada a partir de uma rítmica propulsão atmosférica inspirou imediatamente amplas e justificáveis comparações analíticas e sonoras aos momentos transcendentais típicos do grupo inglês Pink Floyd. Adicionalmente, também são evocadas lembranças do próprio trabalho de textura arquitetada nos compassos espaciais do álbum Binaural (notadamente traçando paralelos de construção musical formidável com o clássico "Nothing As It Seems") ou mesmo à era tardia de Abbey Road dos Beatles. Esse minucioso e exaustivo processo de aquecimento progressivo culmina sem freios em um massivo, extático e colossal fechamento instrumental que confia quase exclusivamente na catártica profusão de decibéis providenciada pelas linhas melódicas torturadas das guitarras solistas de Mike McCready.

Sob uma perspectiva literária e temática, "Upper Hand" atua primariamente como uma das mais pungentes meditações produzidas até a presente data sobre as inevitáveis restrições, a efemeridade física e o sombrio avanço das areias cronológicas da existência. Vedder expressa com absoluta sobriedade, destituída de melancolia dramática, a realidade inescapável: "The distance to the end is / Closer now / Than it's ever been" (A distância para o fim está / Mais perto agora / Do que jamais esteve). Ele, a seguir, evoca uma alegoria tocante da vida imaginada como um tomo narrativo vasto e insondável: "No room left on the pages / We filled 'em up / And painted some / Though the book / It may never be read by anyone / By anyone but me" (Não sobrou espaço nas páginas / Nós as preenchemos / E pintamos algumas / Embora o livro / Possa nunca ser lido por ninguém / Por ninguém além de mim). Essa resignação poética sobre a fútil tentativa de traduzir a experiência vivenciada de modo absoluto, aceitando de bom grado que parcelas incomensuráveis de sentimentos continuarão seladas e incomunicáveis no cofre do intelecto individual, injeta na obra final um indelével selo de sabedoria conformista.

7. Waiting for Stevie

Tornando-se rapidamente objeto de infindáveis dissecções em fóruns de críticos e atraindo intenso fervor público de aclamação logo em seus primeiros dias, "Waiting for Stevie" encerra dentro de si uma fascinante lenda mítica originária dos próprios porões onde a música foi moldada. O núcleo narrativo sobre os métodos composicionais caóticos foi desvelado numa confissão histórica minuciosa concedida no programa de rádio de Howard Stern na SiriusXM. Durante os estágios produtivos atrelados à concepção do álbum solo de Vedder, apropriadamente intitulado Earthling (um registro cujas chaves também estavam nas mãos da genialidade orquestradora de Andrew Watt), a dupla dinâmica encontrava-se em uma espera atenuante e tortuosa no estúdio. A expectativa referia-se à ilustre lenda viva da música global R&B e soul, Stevie Wonder, que havia sido solenemente agendado para o período das 16 horas com o simples propósito de registrar elaboradas linhas harmônicas instrumentais de gaita em uma faixa intitulada "Try". Em um episódio clássico de licença poética e comportamental, Wonder materializou-se fisicamente apenas ao redor das 23 horas e, mesmo em virtude desse atraso desproporcional, entregou aos presentes um espetáculo de excelência em poucos minutos de execução magistral e arrebatadora. Exatamente nesse excruciante lapso cronológico de sete horas contínuas de espera inerte, o genial Andrew Watt pegou um violão solto no estúdio e compôs de maneira incrivelmente inspirada as progressões labirínticas que constituiriam os pilares melódicos para uma nova faixa enraizada profundamente em matrizes do hard rock noventista. De maneira instintiva, Vedder demonstrou atração gravitacional pelas harmonias da estrutura inacabada de imediato.

Contudo, os fatos são divergentes perante ao título curioso: a construção temática da letra não guarda qualquer relação biográfica com a vida, genialidade ou conduta errática do legendário cantor Stevie Wonder. Ao explorar as intenções em um diálogo longo, detalhado e esclarecedor em seu encontro perante Howard Stern, Eddie Vedder explicou as minúcias que envolvem o que de fato trata a composição. O centro emotivo descreve o formidável, tangível e até mesmo salvífico ou terapêutico poder que a musicalidade pode imprimir sobre a trajetória isolada de pessoas; trata-se de um retrato sociológico intimista de uma jovem mulher vivendo oprimida, cronicamente incompreendida ou invisível e alienada da vivência em uma pequena localidade e como ela descobre pertencimento absoluto ao submergir-se na energia visceral, ritualística, comunitária e redentora gerada pelo som ensurdecedor da banda em um espaço de espetáculos lotado. O enredo sobre ser resgatada da tragédia pelas ondas sônicas do rock dialoga imensamente com um episódio externo documentado por Vedder na influente revista MOJO. Ao presenciar de forma incólume um dos megaeventos estruturados ao redor do cataclísmico fã-clube e culto coletivo forjado ao redor do gigantesco concerto associado à artista pop Taylor Swift, Vedder compreendeu na feérica troca de laços, canções entoadas a plenos pulmões, amizades instantâneas e abraços a mesmíssima comunhão visceral outrora praticada à exaustão e reverência entre multidões formadas por garotos inaptos buscando libertação catártica por meio de rodas de pogo em concertos escuros do punk.

O produto fonográfico consumado e imortalizado na faixa gerou avaliações por nomes de peso da banda; Jeff Ament apontou a gravação como a sua predileta em Dark Matter, citando de modo inequívoco a elaboração complexa de camadas maciças sonoras que geram uma "parede impenetrável de guitarras" incrivelmente próxima da densidade claustrofóbica mas espetacular oriunda das gravações históricas estabelecidas na primeira encarnação fonográfica com Ten. De maneira correlata, os compassos executados atraíram também de forma elogiosa as interpretações críticas analíticas de Stone Gossard, o qual descreveu publicamente que as gravações de guitarra soltas soaram magicamente e de fato atuavam como um genuíno, vigoroso e imensamente comovente "tributo musical não-intencional ou mesmo um testamento solene para com o peso das melodias de Seattle e a essência colossal orquestrada há décadas por pares icônicos do Soundgarden". Ao seu pico estrondoso e clímax instrumental inesquecível, a mensagem da canção solidifica-se mediante um mantra exortativo poético incrivelmente resiliente, aconselhando os ouvintes à manutenção perpétua do equilíbrio emocional virtuoso entre coragem inabalável, determinação inquebrável, gentileza profunda e uma dignidade austera perante o egoísmo de terceiros: "Be mighty, be humble, be mighty humble" (Seja poderoso, seja humilde, seja poderosamente humilde).

8. Running

Operando como uma torrente caótica de adrenalina que contrasta com a meticulosa construção estrutural prolongada da canção que a precede, "Running" configura-se intencionalmente como a mais curta demonstração percussiva do álbum, contendo módicos 2 minutos e 19 segundos. O título preliminar utilizado para o projeto foi "Big Sandy Punk" e a vertiginosa cadência implementada nos ritmos procurava homenagear influências clássicas fundamentais provenientes de lendas puristas oriundas da fervilhante e enérgica cena revolucionária da cultura de Washington D.C., referenciando particularmente a intransigência política rítmica orquestrada pela venerada e fundamental banda associada ao hardcore intelectualizado Fugazi. Da mesma forma, resgatou em seu escopo de comparações andamentos velozes vertiginosos encontrados nas gravações anteriores contidas em peças célebres aceleradas do próprio acervo do Pearl Jam, entre as quais pontua o destaque analítico da veloz faixa "Mind Your Manners".

Nesta peça, as sensações vertiginosas provenientes do desgaste perante a pressão excruciante do hiperacelerado mundo pós-moderno aliam-se perfeitamente às ansiedades do aprisionamento impulsionado pelo medo abstrato da opressão das responsabilidades. A letra é parca de elementos excessivos, focando em descargas como: "Got me running / But I'll be the one to break" (Isso me faz correr / Mas serei eu quem irá quebrar). Para adicionar aos elementos que contribuem à energia de pânico que exala de forma ofegante e incisiva, a execução do refrão principal e uma série de gravações polifônicas de vocais complementares entoados de maneira feroz pela totalidade dos integrantes da banda contam também com os vocais coléricos e inusitados de suporte vocal berrados no estúdio tanto por Eddie Vedder, o baixista Jeff Ament, o empolgado produtor Andrew Watt, e notadamente, o inusitado empresário histórico gerenciador comercial logístico responsável oficial pela banda, Mark 'Smitty' Smith. Com o uso massivo desta multidão operando através do berro sincronizado contido nos microfones do salão, "Running" demonstra sua força como a recusa inquebrável de um abrandamento geracional.

9. Something Special

Contrapondo com grande sensibilidade à fúria desencadeada nos momentos anteriores e abandonando as amplas narrativas voltadas diretamente à instabilidade política mundial ou mesmo observações voltadas a tribos culturais contemporâneas, a nona faixa do disco materializa-se liricamente numa explícita carta emoldurada de dedicação romântica e amor afetuoso puro expressada visceralmente por um orgulhoso pai. Nela, Eddie Vedder desvia seu olhar da humanidade para devotar a composição afetuosa inteiramente perante o processo formidável e implacável de crescimento individual focado primordialmente perante a emancipação existencial atrelada diretamente a vida futura promissora concebida por suas próprias filhas consanguíneas, as jovens de nome Olivia e Harper. No escopo de elaboração técnica criativa instrumental subjacente à estruturação deste momento, "Something Special" consolida o privilégio singular incomparável e marcante frente a outras composições pois engloba nos créditos nominais oficiais os arranjos adicionais efetuados por co-autoria associada a Josh Klinghoffer (brilhante músico experimental multifacetado e notório ex-membro formador de longas gravações instrumentais na história complexa redigida durante anos da banda californiana associada à Red Hot Chili Peppers e prolífico parceiro de digressões criativas ao lado da fase solo protagonizada outrora por Vedder).

Este imenso processo poético catártico manifestado pelo letrista eleva enormemente os matizes e atinge profundidades psicológicas semânticas verdadeiramente estarrecedoras quando sobrepostas por exaustivos exames avaliativos biográficos sobre sua jornada pessoal pregressa e os difíceis relatos traumáticos vinculados a si e atrelados por tantas publicações a sua persona mítica. Reconhecido universalmente desde os primórdios remotos delineadores da juventude furiosa descrita de modo violento no disco icônico e colossal Ten por escrutinar incessantemente dores atrozes indomadas advindas da quebra moral originadas do abandono e do caos psíquico destrutivo inerente decorrentes da falta de representação da identidade paterna formal e do núcleo da família estilhaçado de modo severo na constituição de seu trauma na adolescência (angústias detalhadas em gravações clássicas e sombrias da história moderna como "Alive", "Release" ou também posteriormente abordada amplamente em "Better Man"), o vocalista ressignifica o papel do arquétipo parental. Modificando assim a equação das tristezas irremediáveis enraizadas num indivíduo ferido de forma irredutível ao longo das eras passadas, o agora veterano letrista expressa os contornos benevolentes enquadrados orgulhosamente nos estigmas amadurecidos enquadrados sob o signo das baladas conhecidas esteticamente pelo termo "dad-rock" (designação irônica utilizada por críticos perante a temática do rock paterno das emoções e vulnerabilidade sônica contidas). Vedder projeta as filhas à plena responsabilidade e domínio inegociável irrevogável de seu destino, ao emitir sua capitulação gentil no trecho poético formidável redigido: "Oh, out of everyone, you're not just anyone / You're the one and only you / We done all we can do" (Oh, dentre todas as pessoas, você não é qualquer uma / Você é a única e singular você / Nós fizemos tudo o que poderíamos fazer). O cantor, nestes meros versos cantados, encena abertamente e abdica voluntariamente da posição protetora intransponível que outrora manteve com zelo absoluto em sua vida como pilar incontornável estrutural primário frente as exigências prementes imutáveis atreladas de maneira irremediável perante aos fluxos complexos indômitos proferidos sobre o envelhecimento geracional temporal incontrolável.

10. Got to Give

A penúltima inclusão desta exaustiva exploração do álbum projeta a narrativa auditiva num arranjo incisivo em "Got to Give" mediante o lento nascer de exatos e cristalinos vinte segundos dedicados à acústica bucólica tocada primorosamente por meio harmônico compassivo provindo das cordas de um violão despoluído. Subitamente e com imenso impacto calculado na sala de gravação, o silêncio premonitório dá espaço inevitável a uma marcha musical formidavelmente ruidosa e vigorosa pautada inquestionavelmente numa matriz que aponta suas principais estruturas arquitetônicas rítmicas nas lições eternizadas no rock performático estelar grandioso tipicamente praticado amplamente de modo pioneiro na Inglaterra pela venerável, indomável, enérgica e notória formação roqueira The Who (comparada incisivamente com sonoridades outrora empregadas no registro fonográfico divulgado em épocas da década compreendida no lançamento associado com Backspacer de 2009). A letra engendra uma apurada reflexão dicotômica perante concepções ambíguas: o título central da frase evoca a noção contemporânea ligada inexoravelmente aos ditados estressantes originários sobre extrema exaustão generalizada psicológica (similarmente compreendido culturalmente na formulação de sentenças idiomáticas verbais clássicas perante o conceito idiomático de "something's gotta give", algo como "algo terá obrigatoriamente que ceder"), entretanto o arranjo contagiante reverte a negatividade sombria a uma dimensão lírica e sônica empenhada no extremo altruísmo do dom existencial.

Esta reviravolta sônica, permeada pelo júbilo afirmativo inconfundível perante as amarguras relatadas extensamente nas narrativas propostas nos capítulos predecessores do vinil em vigor, deve quase que exclusivamente à dinâmica propulsiva liderada sem pudor através de acordes criativos extraídos diretamente pela mente inquieta orquestrada nas linhas elaboradas da performance ímpar do integrante fundador e mestre contrabaixista, Jeff Ament. A peculiaridade reside também profundamente atrelada de maneira orgânica num preciosismo valioso técnico do equipamento empregado; a peça rítmica foi forjada e lapidada inteiramente mediante as melodias singulares geradas através do uso minucioso orquestral harmônico originário das propriedades elétricas sonoras emanadas da raríssima, marcante, robusta e vintage guitarra da configuração modelo Barítono Rickenbacker de exótica pigmentação branca (oriunda da impressionante e vasta galeria do produtor Andrew Watt). Emulando as cadências do som formador do R&B atreladas e disseminadas amplamente mediante o selo icônico legendário cultural conhecido e associado perfeitamente na cena gloriosa enraizada perante Stax Records formadora de Memphis (destacando especialmente paralelos evidentes vinculados às técnicas magistrais utilizadas pela instituição fundadora Booker T. & the M.G.'s), o ritmo insufla compassos rítmicos repletos de vitalidade quente oriunda de grooves vibrantes e imensos ecos do tradicional som negro norte-americano. Tal exuberância lírica de amor emana da exaltação vocal catártica formulada: "I'll be the last one standing / I'll be the first to forgive, yeah / Give it away empty handed" (Serei o último a ficar de pé / Serei o primeiro a perdoar, sim / Entregarei de mãos vazias).

A matriz e diversidade do som dos baixos orquestrados no decurso deste álbum denotam as imensas admirações históricas e experimentações de matrizes sônicas díspares descritas por Jeff Ament em entrevistas. Uma amostragem detalhada da pluralidade de suas explorações referenciais:

| Influência rítmica (baixo) | Matriz cultural / gênero | Impacto na estrutura sônica | |---|---|---| | Chuck Dukowski | Punk hardcore (Black Flag) | Ferocidade contundente e andamentos abrasivos em "Running" e "React, Respond" | | Jah Wobble | Pós-punk e dub (Public Image Ltd) | Linhas de graves hipnóticos e cadências profundas na ambiência de "Upper Hand" |

11. Setting Sun

Ao trilhar o tortuoso e denso percurso finalizado neste extenso caminho literário orquestrado nas dez músicas precedentes, o grupo retoma reverencialmente o engenhoso preceito estruturador e formador estético atemporal há décadas cultivado nos moldes de seus desfechos monumentais de suas antigas gravações paradigmáticas (aludindo diretamente e indubitavelmente à melancolia contida de "Release", "All Or None" e os solos eclesiásticos catárticos entoados formidavelmente em "Inside Job") ao concluir perfeitamente o arco semântico do presente manuscrito sonoro num lamento introspectivo acústico pungente, melancólico e pacífico devidamente denominado "Setting Sun". Segundo declarações públicas do guitarrista Mike McCready, a energia melancólica de contemplação desolada mas apaziguadora encontrada na estruturação harmônica acústica desta gravação se aproxima dos traços sentimentais atrelados à canção lúgubre "Long Road" (lançada em 1995 em parceria colaborativa com o lendário mentor canadense Neil Young).

Liricamente, Vedder orquestra intencionalmente nesta peça um primoroso exercício linguístico focado num poderoso amálgama temático referencial cíclico com a canção de abertura do álbum (fechando brilhantemente num formato elíptico impecável todas as indagações do disco como um manifesto de união sistêmica fechado); enquanto o desespero e o medo do fim assolavam o letrista em suas indagações desesperadas no proscênio rítmico do primeiro sulco gravado com a indagação dolorosa exposta no lamento trêmulo de "Scared of Fear", a suplicação agora transforma o questionamento temível ("Is this what we've become? / One last setting sun") num apelo de prorrogação coletiva majestoso, proferindo poeticamente os anseios perante a união perene: "We can become... one last setting sun / Am I the only one hanging on? / We could become... one last setting sun / Or be the sun at the break of dawn / Let us not fade" (Nós podemos nos tornar... um último sol poente / Sou o único aguentando firme? / Nós poderíamos nos tornar... um último sol poente / Ou ser o sol ao raiar do dia / Não nos deixe desaparecer). A rogativa serve magnificamente como súplica dedicada visceralmente ao espectador externo aficcionado para que as luzes sagradas místicas mantidas ininterruptamente na arte performática musical nunca sucumbam.

O corolário desta tese manifesta-se nos versos derradeiros proferidos de modo suave, na qual Eddie incorpora as ressonâncias provenientes de trechos filosóficos oriundos amplamente disseminados perante os estratos literários da reflexão de massa e folclore literário da internet e publicações célebres populares: "They say in the end / Everything will be okay / If it's not okay / Well then, it ain't the end" (Dizem que no fim / Tudo ficará bem / Se não está bem / Bem, então não é o fim). Este trecho constitui uma adaptação explícita atrelada recorrentemente às reflexões creditadas vastamente ao célebre escritor brasileiro Paulo Coelho, e que inclusive ressoaram através da disseminação pop via menções em enredos da referencial obra televisiva animada norte-americana Rick and Morty (evidenciando a absorção transversal incrivelmente diversificada dos ideários estéticos que permeiam as absorções textuais contínuas geradoras dessa peça fundamental escrita por Vedder no encerramento existencial do disco). Sem recorrer a desfechos ruidosos explosivos instrumentais habituais apoteóticos, o violão dedilhado serenamente em conjunto com as emanações vocais arrastadas de sussurros calmos decrescem minuciosamente seu limite audível até permitirem a certeza pairante do silêncio, num encerramento épico pacificado da história sônica registrada perante o mundo moderno do rock alternativo da geração formativa dos anos 90.

Simbolismo Oculto, Homenagens e Inscrições no Vinil

O nível detalhista da banda prolongou-se sobre as estruturas conceituais literárias da concepção física do substrato musical material, demonstrando o nível de dedicação monumental voltada à preservação poética e da mística indomável atrelada à era pretérita associada ao apogeu do mercado das gravações audíveis prensadas. A formatação da superfície material constituinte da base central na edição confeccionada e prensada num imaculado vinil de tonalidade preta original contém de modo imperceptível e velado para a contemplação dos audiófilos minuciosos uma pletora formidável de sentenças incrustadas deliberadamente gravadas no espaço circular tangencial localizado próximo ao rótulo (denominado tecnicamente de runout groove na confecção de masters de disco). Estas crípticas legendas atuam como epígrafes silenciosas dedicadas integralmente ao processo físico de gravação:

"Thank U Rick 4 Shangri-La": registro reverencial direcionado em gratidão ao gigante Rick Rubin, dono atual do estúdio Shangri-La em Malibu, pela permissão de uso das paredes consagradas do espaço durante as etapas decisivas das gravações.
"Thank you Stevie for Running Late": menção sagaz e cômica que credita as benesses acidentais advindas do atraso de horas do convidado Stevie Wonder durante uma sessão de gravação, atraso que catalisou involuntariamente a composição da faixa "Waiting for Stevie" descrita acima.
"RIP Robbie": tributo solene e póstumo a Robbie Robertson, membro fundador essencial da lendária The Band (grupo que originalmente construiu o estúdio Shangri-La). Robertson faleceu em agosto de 2023, reforçando misticamente as conexões circulares e fechadas em ciclo poético perfeito que rodeiam a gravação do disco.

Adicionando ao poço simbólico de codificações imersas no arcabouço referencial do álbum, repousa solenemente uma dedicatória reduzidíssima e críptica composta apenas por duas siglas: "PO". Avaliações críticas exaustivas oriundas dos fóruns das comunidades engajadas, das deduções colaborativas investigativas na web e de fontes jornalísticas como o Ten Club e o portal PearlJamOnline sugerem que a sigla refere-se de maneira incisiva ao misterioso e inconfundível Presence Object (Objeto de Presença), o monolito enigmático que aparece na capa do quinto álbum da banda inglesa Led Zeppelin, Presence (1976). A alusão a este referencial místico da fundação literária e mitológica do rock confere uma alegoria poética para pautar o escopo existencial que dá nome ao registro: assim como na disciplina astrofísica observacional a matéria escura exerce massa gravitacional colossal sem se materializar na interação óptica visível (não emite nem reflete radiação eletromagnética, mas mantém coesa a estrutura do cosmos), a alusão ao monolito obscuro do Led Zeppelin evoca os fluxos invisíveis e intangíveis das ligações emocionais profundas, os vínculos perenes criados pelas conexões formadas entre almas, e os espectros e traumas das perdas que paradoxalmente garantem a coesão do grupo após décadas. Aquilo que não se vê é o que mantém o tecido unido.

---

Nota da publicação: o paste original começou a degradar a partir do final de "Setting Sun" e da seção "Simbolismo Oculto", com adjetivos repetidos em loop e culminando num bloco final de texto jurídico italiano (uma decisão da Corte de Appello di Catanzaro de fevereiro de 2024 sobre execução fiscal) sem qualquer relação com o álbum. Este documento preserva a parte analítica íntegra (intro, produção, faixas 1-11, simbolismo) e descarta a "Conclusão" original por corrupção. Se quiser refazer a Conclusão, é só repastear.